Camarón de la Isla. La leyenda del tiempo. 1979

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1. La leyenda del tiempo (Federico García Lorca/Ricardo Pachón) – (Jaleos)

2. Romance del Amargo (García Lorca/Pachón) – (Bulerías por soleá)

3. Homenaje a Federico (García Lorca/Pachón/Kiko Veneno) – (Bulerías)

4. Mi niña se fue a la mar (García Lorca/Pachón/Veneno) – (Cantiñas de Pinini)

5. La Tarara (Trad. Arr. Ricardo Pachón) – (Canción)

6. Volando voy (Veneno) – (Rumba)

7. Bahia de Cádiz (Pachón/Fernando Villalón) – (Alegrías de baile)

8. Viejo mundo (Omar Khayyám/Veneno) – (Bulerías)

9. Tangos de la Sultana (Antonio Casas/Pachón/Francisco Velázquez) – (Tangos)

10. Nana del caballo grande (García Lorca/Pachón) – (Nana)

El jefe de compras de El Corte Inglés advirtió a Ricardo Pachón, productor de La Leyenda del tiempo: “Los gitanos me van a devolver este disco”. Y razones no le faltaban. Con sus bulerías jazz-rock y García Lorca pasado por la batería y el bajo eléctrico, la revolución fue un fracaso. Como en los lejanos días en los que Bob Dylan recibía amenazas por electrificar los instrumentos, Camarón de la Isla era entonces, 1979, uno de esos hombres valientes destinados a cambiar el curso de la música y entretanto recibir críticas durísimas de los suyos.

Que nada sería igual se anunciaba desde la portada, una foto de Mario Pacheco, hoy dueño del sello Nuevos Medios. Camarón, con barba, difuminado, bizqueando por el humo de un pitillo. “Como todo en aquel proyecto, algo inesperado”, recuerda Pacheco, que tomó las fotos en el mismo estudio, el de la discográfica Philips, que estaba en la avenida de América de Madrid, donde hoy se levantan una gasolinera y una capilla. Allí llegaron Pachón y “el contingente sevillano” aquel verano, tras una primavera de ensayos en la casa del productor en Umbrete (Sevilla). Diego Carrasco a las palmas, Gualberto al sitar –viejo conocido de Pachón de los días de Smash–, miembros del grupo Alameda o Raimundo Amador y Tomatito, dos jóvenes tocaores con la misión de sustituir a Paco de Lucía, que había acompañado a Camarón durante más de una década, pero que decidió bajarse de este disco. En teoría jonda, unas bamberas, cantes tradicionales de columpio, en tonos mayores y menores que devienen en bulería revolucionaria con letra de un poema de García Lorca y la garganta ambiciosa de un grandioso Camarón. Los críticos flamencos, por descontado, la odiaron.

Texto: Rolling-Stone

Ludovico Einaudi. Una Mattina. 2004

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1. "Una mattina" – 3:26

2. "Ora" – 7:57

3. "Resta con me" – 4:57

4. "Leo" – 5:10

5. "A fuoco" – 4:32

6. "Dolce droga" – 3:38

7. "Dietro casa" – 3:53

8. "Come un fiore" – 4:28

9. "DNA" – 3:43

10. "Nuvole nere" – 5:04

11. "Questa volta" – 4:35

12. "Nuvole bianche" – 5:57

13. "Ancora" – 12:09

Ludovico Einaudi (Turín, 23 de noviembre 1955) es un compositor y pianista moderno que destaca por el desarrollo de frases melodiosas en sus composiciones de piano.

Representa uno de los grandes éxitos de la música clásica contemporánea de los últimos años, no sólo por las ventas de discos, sino también por los conciertos realizados por todo el mundo.

Cuando era un niño su madre tocaba el piano con él. En 1982 se diploma en composición el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán con Azio Corghi. Ese mismo año recibe una beca para el Tanglewood Festival de Estados Unidos y continúa sus estudios con Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comienza la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y más tarde para piano.

Ha realizado bastantes trabajos para el mundo del cine, recibiendo varios galardones internacionales:

* Grulla de oro por la banda sonora de Acquario en 1998

* Echo Klassik por la banda sonora de Fuori dal mondo en 2002

* Mejor banda sonora en los premio de la música italiana en 2002 por Luce dei miei occhi

* Mejora banda sonora en el Festival de Aviñón en 2004 por Sotto falso nome

Actualmente reside en la región italiana de Piemonte. Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: “En general no me gustan las definiciones, pero ‘minimalista’ es un término que significa elegancia y sinceridad, por lo tanto prefiero ser llamado minimalista a cualquier otra cosa”.

Texto: Lastfm.es

David Peña Dorantes. Orobroy. 1998

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Tracklist:

1. Semblanza de un río

2. Abuela Perrata

3. Orobroy

4. Ventanales

5. Gallardo

6. Silencio de patriarca

7. Gañanía

8. Nana de los luceros

9. Oleaítas, mare

Dorantes (Lebrija, 1969).

David Peña Dorantes no se puede homologar musicalmente con facilidad. Pertenece al mundo flamenco por cuna y vivencias, pero sus creaciones son absolutamente personales y se alejan de los experimentos de fusión habituales. Ha dotado al piano de una enriquecedora dimensión, es un virtuoso instrumentista que denota su paso por el conservatorio y, además, suena jondo. El contacto de Dorantes con los teclados fue una coincidencia: en casa de su abuela paterna, La Perrata, había un piano, y él empezó a tocarlo de chiquillo. El primer disco que grabó, “Orobroy” (1998), fue una refrescante sorpresa y, desde entonces, ha mostrado su talento y versatilidad junto a numerosas primeras figuras del arte jondo, como su tío El Lebrijano. Aunque sus coqueteos con la música comenzaron de la mano de una guitarra (con la que incluso llegó a ganar concursos siendo niño), a los diez años quedó fascinado con el piano y comenzó de forma autodidacta. Aún joven, ingresa en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla. A los 22 años debuta en los Reales Alcázares con la presencia de los Reyes de España, aunque no será hasta siete años después, en 1998, cuando ve la luz su primer vástago musical, “Orobroy”, un disco que pone de acuerdo a la crítica y al público y que lanza a Dorantes a la primera línea del panorama musical.

Texto: Flamenco-World.com

Yann Tiersen. Le fabuleux destin d'Amelie Poulain. 2001

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Tracklist:

1. J'y suis jamais allé

2. Les jours tristes" (Instrumental) - 3:03

3. La valse d'Amélie" (Versión original) - 2:15

4. Comptine d'un autre été: l'après-midi

5. La noyée - 2:03

6. L'autre valse d'Amélie - 1:33

7. Guilty" (Al Bowlly) - 3:13

8. À quai - 3:32

9. Le moulin - 4:27

10. Pas si simple - 1:52

11. La valse d'Amélie (Versión orquestal) - 2:00 

12. La valse des vieux os - 2:20

13. La dispute - 4:15

14. Si tu n'étais pas là (Fréhel) - 3:29

15. Soir de fête - 2:55

16. La redécouverte - 1:13

17. Sur le fil - 4:23

18 Le banquet - 1:31

19. La valse d'Amélie (Versión piano) - 2:38

20. La valse des monstres - 3:39

Yann Tiersen, de nombre completo Guillaume Yann Tiersen, es quizá uno de los más influyentes compositores y músicos de los últimos años. Nacido en Brest, Francia, el 23 de junio de 1970, puede decirse que se trata de todo un virtuoso de la música, llegando a dominar a la perfección instrumentos tales como el violín, el acordeón y el piano. Su estilo va desde la música clásica, evidentemente influido por sus estudios de conservatorio en Rennes y Nantes, entre otros lugares, hasta el rock, logrando, sin embargo, una unión del todo armónica en sus obras. 

Tras unos cuantos discos sacados a la venta, Tiersen compone la banda sonora de la preciosa y dulce película francesa Amelie, en el año 2001, de título original Le Fabuleux Destin d´Amelie Poulain, con la que muy justificadamente logró todo tipo de buenas críticas por parte del público, llegando incluso a ser reconocido mundialmente como todo un genio.

Y es que no podía ser otra cosa. La banda sonora de Amelie viene a ser una especie de explosión de música demoledoramente nostálgica, y a la vez alegre y risueña. La mejor composición de este disco es sin duda La Valse d´Amelie, con la que una no puede evitar esbozar una tierna sonrisa al imaginar todo tipo de situaciones de lo más entrañables. Aunque no se haya visto la película –pero de algún modo es recomendable hacerlo para poder entender de un modo completo la importancia de esta soberbia composición musical- es prácticamente imposible escapar al encanto que estas melodías provocan. Existe así otra versión de La Valse d´Amelie, orquestada, que deja entrever la “magia casera” de esta preciosa película, al tiempo que dibuja con su sutil melodía algo parecido a una nostalgia muy especial, no amarga sino de una dulzura casi hiriente.

Un buen ejemplo de la tenue tristeza que destila Amelie es la canción Les Jours Tristes, la segunda de las composiciones incluidas en la banda sonora, a la vez que La Redecouverte viene a ejemplificar estupendamente esa alegría tranquila propia de un film sin complejos y del todo esperanzador. 

De alguna forma Tiersen logra cautivar y encantar con cada pieza de esta fabulosa banda sonora, que una puede recomendar abiertamente y sin trabas. Sin duda, merece la pena hacerse con esta música. Nadie podría llegar a arrepentirse de ello.

Texto: Irene Sanz Montero para “musicaparaelbunker.blogspot.com”

Vicente Amigo. Tierra. 2013

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Tracklist:
1. Prólogo y epílogo
2. Estación Primavera
3. Tierra (con Lya)
4. Bolero a los Padres
5. Campos de San Gregorío
6. Río de la Seda
7. Canción de Laura
8. Idílico
9. Roma

Vicente Amigo internacionaliza su música. El guitarrista flamenco viajó hasta Londres para fraguar 'Tierra', el séptimo disco de su carrera. El trabajo cuenta con la producción de Guy Fletcher, teclista de Dire Straits y colaborador de Marc Knopfler. Músicos de ambas formaciones han participado en el álbum, “en el que el flamenco conecta de manera natural con músicas de otras raíces”. El repertorio está compuesto por nueve nuevas composiciones propias, entre ellas, 'Estación Primavera', 'Río de la seda' y el single 'Roma', cuyo videoclip está dirigido por Ángeles González-Sinde. Según explica el músico, “tengo toda la ilusión puesta en 'Tierra' porque es un mensaje positivo que vamos a dar al mundo: está buscando la belleza, ese abrazo de las tierras”.

Aunque se ha grabado en Inglaterra, 'Tierra' comenzó a gestarse en Córdoba. “A Guy lo conocí en Córdoba el año pasado en el Festival de la Guitarra, en un concierto de Mark Knopfler”, dice Vicente Amigo. “Los productores del concierto me lo presentaron y lo que en principio era una idea de hacer un tema con ellos se convirtió después en un objetivo principal: mezclarme con esos músicos. Mi propuesta fue abrazar nuestras libertades: la mía, la suya como productor, la de todos los músicos que han colaborado. Eso va más allá, en un momento dado, de la música”.

El guitarrista, ganador de un Grammy en 2001, se fue a grabar a los British Grove Studios de Londres con músicos de Dire Straits, de Mark Knopfler y de Capercaillie, “para ofrecer un álbum excepcional, arriesgado, en el que el flamenco conecta de manera natural con músicas de otras raíces”. Además de Vicente Amigo (guitarra, voz, cajón, palmas) y Guy Fletcher (órgano, piano), en el álbum tocan músicos de trayectoria internacional como el percusionista Danny Cummings, Mike McGoldrick a la flauta y la gaita, el violinista John McCusker, el acordeonista Donald Shaw y el contrabajista Ewen Vernal.

'Prólogo y Epílogo', 'Estación Primavera', 'Tierra', 'Bolero a los Padres', 'Campos de San Gregorio', 'Río de la Seda', 'Canción de Laura', 'Idílico' y el primer single 'Roma, cuyo videoclip está dirigido por Ángeles González-Sinde, forman el repertorio del disco. Son nueve composiciones nuevas de Vicente Amigo, que vienen a nutrir una discografía propia que ya sumaba seis álbumes desde que debutara con 'De mi corazón al aire' (1991) y hasta el anterior 'Paseo de Gracia' (2009). 'Tierra' se estrenó en directo en el Festival Celtic Connections de Glasgow el pasado 18 de enero de 2013.

Texto: flamenco-world.com