El ¿éxito? de las multinacionales del entretenimiento y los nuevos modelos de distribución de contenidos digitales.

Una crítica personal. Fernando Baeza Sánchez.

Lo que sabíamos que iba a pasar, pasó ayer. Estando yo preparando la publicación y correspondiente entrega de álbum de hoy, me encuentro con que tengo la cuenta de Dropbox bloqueada, así como un correo electrónico que decía, entre otras cosas lo siguiente:

-“Under Section 512(c)(1)(C) of DMCA (Digital Millennium Copyright Act), we've removed or disabled access to the material that is claimed to be infringing or to be the subject of infringing activity.”

-“Conforme a la Sección 512(c)(1)(C) de la DMCA (Acta de Derechos de Autor Digitales del Milenio), hemos eliminado o inhabilitado el acceso al material que se reclama por haber infringido o ser objeto de actividad infractora.”

En resumen, que soy un delincuente.

Pero, leyendo y buscando algo de información, puede ser que lo que para muchos es obvio (compartir música de la que no se es autor) adquiera unos tintes muy diferentes.

¿Por qué se censura la descarga de contenidos digitales? ¿A quién beneficia?

Pues según los entendidos del tema, los vencedores en este juego no son otras que las grandes multinacionales, los magnates de Hollywood, ya que las pequeñas y medianas producciones se ven favorecidas por la libertad en la distribución, hablando ya sea de películas o música, como se recoge en el siguiente artículo de ABC (Referencia 1)

Pues bien, fruto de la presión de las multinacionales se cerró el 20 de enero de 2012 uno de los mayores distribuidores de contenidos digitales, Megaupload. Detrás de todo ello estaban intereses de superproducciones, ese pequeño porcentaje de empresas que hace que la mayoría de los artistas vean frenadas descargas de sus discos y películas. A todo ello se le suma el pavor que les provocaba a las empresas en anuncio de una nueva forma de distribución anunciada por Megaupload que eliminaba los intermediarios, de esta forma era el artista quien se beneficiaba mayoritariamente de las ventas de sus discos, frente al modelo actual en el que el artista se lleva un porcentaje ridículo de sus ventas, frente a las grandes empresas que, una vez más, son las que salen ganando. En este artículo se puede ampliar información (Referencia 2). “Kim 'Dotcom, planeaba lanzar Megabox con la intención de conectar directamente al usuario con el artista, eliminando la necesidad de discográficas como intermediarias.”

Estaríamos encantados de pagar un precio razonable por la música que escuchamos, siempre y cuando esa cantidad fuera para el artista. En un artículo más que recomendable podemos ver que tan solo el 13% del dinero generado por la venta de un CD acaba en el bolsillo del artista. (Referencia 3) Si hoy en día existen unos medios de distribución que pudiera recortar precios y asegurar que es el artista el que sale ganando de un éxito de su música, ¿por qué no caminamos hacia ese modelo? ¿Es el cierre de los canales de libre distribución el camino correcto o sería mejor reglar estos canales? ¿Tendrían los artistas cobijados bajos las grandes alas de las multinacionales la repercusión y las ventas que tienen de no contar con la publicidad y la distribución que ellas les aseguran?

Además, sumándose a todo lo anterior, vemos como el gobierno de EEUU y su ejecutor en este ámbito, el FBI, no actuó por casualidad el día 20 de enero de 2012. Obama, presidente ya por entonces, contaba con un gran apoyo económico y electoral del lobby de las multinacionales (recordemos, únicas desfavorecidas por las descargas). Por tanto, si en enero se cerró Megaupload, fue porque en noviembre de 2012, para las elecciones de EEUU, Obama quería contar con el apoyo de este lobby. (Referencia 4) “Los magnates de la industria del entretenimiento apuntaron que de persistir el Ejecutivo norteamericano en esta actitud, que a su juicio no ayudaba a "salir de la crisis a un sector tocado por la piratería", retirarían su apoyo a la campaña presidencial. Y no sólo su apoyo: también sus fondos.”

Además son muchos los artistas que salieron en defensa de Megaupload, siendo lo más sonado el video promocional que realizaron.

http://www.youtube.com/watch?v=Y8aUCnyKH2U

Lo que pretenden es que así sea, ganar a toda costa. Pues bien, está claro que no tienen las de ganar, la buena música seguirá siendo la buena música, con o sin publicidad. Un agradable ejemplo fue el álbum que el grupo Extremoduro sacó, “Material defectuoso”, para el cual no contaron ni con promoción, ni gira, ni entrevistas, ni videoclips. Pues ese disco se coronó como número uno en ventas, por delante de nuestra “querida” Lady Gaga. (Referencia 5)

Aunque hayan cerrado muchas vías de distribución, programas con Emule o Torrent siguen y probablemente seguirán estando en pie. Aun así, de cerrarse esos canales en el peor de los casos, siempre nos quedará el método clásico que muchos hemos conocido, “Voy para tu casa y me pasas música”, además hoy día, con el avance en las tecnoloías (yo grababa CDs) este método sería increíblemente superior al de hace algunos años. Ya solo faltaría que viniera un agente del FBI a cortarme el cable USB de mi ordenador y a decirme que estoy cometiendo una infracción de la DMCA.

¿Qué hacer contra todo esto? Mi consejo. Cierra los ojos y cierra los oídos ante la publicidad, deja que sea la música la que te guste o no te guste.

Me gustaría acabar citando a un conocido abogado defensor de una nueva forma de distribución de contenidos digitales, refiriéndose al cierre de megaupload, David Bravo:

“Si un niño pone un dedo en uno de los agujeros de un colador, solo él piensa que ahora se filtra menos cantidad de agua.”

Tengo un disco duro con 1TB lleno de música, quien quiera música que me la pida, ¡que la tengo de todos los colores!

El CD de hoy iba a ser… que digo!!!!! es !!!!! He subido el cd a mi cuenta personal de Dropbox (la que tengo bloqueada es otra) y aquí lo tenéis, la última entrega: ENLACE DE DESCARGA: http://goo.gl/FPFNUH

Pd: Hace dos semanas fui a un concierto de Vicente Amigo en el Teatro Maestranza de Sevilla, ¿adivina alguien como conocí a este artista? Exacto, descargas “ilegales”.

1. El cierre de Megaupload afecto negativamente a la industria del cine. http://www.abc.es/

http://www.abc.es/medios-redes/20121127/abci-megaupload-efectos-cine-201211270928.html

2. La verdad oculta del cierre Megaupload: ¿se intentó boicotear su nuevo proyecto de música online? http://www.diariocritico.com/

http://www.diariocritico.com/ocio/nuevas-tecnologias/cierre-megaupload/megavideo/megabox/406517

3. Desglose del dinero generado por la venta de un disco. http://www.paranoidandroids.net/

 http://www.paranoidandroids.net/2010/07/15/desglose-del-dinero-generado-por-la-venta-de-un-disco/

4. Los progres de Hollywood amenazan a Obama: 'o las descargas o nosotros'. http://www.libertaddigital.com/

http://www.libertaddigital.com/internet/2012-01-20/los-progres-de-hollywood-amenazan-a-obama-o-las-descargas-o-nosotros-1276447549/

5. Extremoduro supera a Lady Gaga sin publicidad, videoclips, ni gira.

www.lavozlibre.com

http://www.lavozlibre.com/noticias/ampliar/268826/extremoduro-supera-a-lady-gaga-sin-publicidad-videoclips-ni-gira

Jorge Pardo y Chano Domínguez. 10 de Paco. 1995

Enlace de descarga:

http://goo.gl/ajjsyL

Lista de canciones:

1. Sólo quiero caminar (Tangos)

2. Chiquito (Soleá por Bulerías)

3. Río ancho (Rumba)

4. Zyriab (Canción)

5. La tumbona (Bulerías)

6. Se me partió la barrena (Minera y Cartagenera)

7. Almoraima (Bulería)

8. Playa del Carmen (Rumba)

9. Monasterio de sal (Columbianas)

10. Canción de amor

Un disco en homenaje a Paco de Lucía sólo se puede justificar en el caso de que la reinvención o reinterpretación de los temas del maestro sea de altísima calidad. Se estará abocado, si no es así, al más sonoro de los bochornos, que no sólo merecerá descalificación estética, sino la virtual sanción de aquel sabio español que bien pudiera expresarse así: "Pero, oiga, ¿para qué ha grabado usted esto?".

Por fortuna, Jorge Pardo y Chano Domínguez hicieron muy bien sus deberes —sabían dónde se metían— al grabar 10 de Paco (1995), y sólo son elogios lo que merecen. Aunque también parece difícil que pudiera ser de otra manera si pensamos que Jorge Pardo llevaba tocando en el grupo de Paco de Lucía desde 1980, había colaborado en dos de los tres discos del guitarrista de los que se toman temas para 10 de Paco (Sólo quiero caminar y Zyryab), y venía de grabar en los últimos años dos magníficos álbumes (Las cigarras son quizá sordas y Veloz hacia su sino) en los que seguía ahondando en su tratamiento cruzado del jazz y el flamenco. Chano Domínguez, por su parte, lleva en la sangre los dos géneros que trabaja el madrileño y posee una técnica firme y delicada al mismo tiempo (que puede aparentar frialdad de forma engañosa), excelente en todo caso. Y, como todo el mundo sabe, el propio Paco de Lucía había colaborado con Pedro Iturralde en sus acercamientos al flamenco desde el jazz en los años sesenta y mantendrá una relación privilegiada con esta música.

Además de los dos trabajos citados de Paco de Lucía, también se escogieron para la ocasión cuatro temas de Almoraima y uno que en realidad escribió su hermano Pepe de Lucía para que Camarón lo interpretara en Potro de rabia y miel, su último álbum: Se me partió la barrena.  Si el resultado del trabajo de Iturralde fue el de introducir elementos flamencos en un jazz que no por ello dejaba de ser el hard bop que practicaba, en el disco de Pardo y Domínguez mantienen ambos géneros, jazz y flamenco, una relación de ida y vuelta que —incluso si admitimos que el peso del primero es mayor— hace difícil no hablar de fusión, por muchas precauciones que pongamos al escuchar ese término a pesar de que su antónimo pueda anunciar, sin embargo, endogamia creativa y esquemas ya conocidos. Sea lo que fuere de esta reflexión, el resultado es sobresaliente, musicalmente frondoso, cautivador y de impecable puesta en escena.

Una o dos escuchas del disco son suficientes para constatar que la flauta y el saxo de Pardo y el piano de Domínguez —más las percusiones de Tino di Geraldo y Luis Dulzaides, el contrabajo de Javier Colina, la voz de Conchi Heredia y las palmas de ésta y El Conde— han creado una obra de calado. Las siguientes escuchas sirven para captar los ricos matices con los que un grupo de grandes intérpretes reunidos para celebrar la música de Paco de Lucía justifica y cree contradecir al "más inteligente de los españoles": no hacía falta haber grabado 10 de Paco, pero una vez conocido y disfrutado de sonidos tan exquisitos parece que sí fueran necesarios, que sí hicieran falta. De necios es querer dar sentido al embrujo estético, soy consciente, pero, ¡ay!, ¿quién no anhela dejarse envolver por él y olvidar la terca realidad? ¿Quién no siente al escuchar discos como éste (perdonen si me pongo un poco cursi) que el tiempo se suspende, que el alma se dilata, que la vida, en definitiva, puede ser hermosa? Nos engañamos, puede ser, pero al menos lo hacemos con joyas del calibre de este dignísimo paseo por la obra de uno de los mejores guitarristas que ha dado España.

Texto: raggedglory.blogspot.com.es

Led Zeppelin. Led Zeppelin IV. 1971

ENLACE DE DESCARGA:

http://goo.gl/lurmHU

Lista de canciones:

1. «Black Dog» (Page/Plant/Jones) - 4:54

2. «Rock and Roll» (Page/Plant/Jones/Bonham) - 3:40

3. «The Battle of Evermore» (Page/Plant) - 5:51

4. «Stairway to Heaven» (Page/Plant) - 8:03

5. «Misty Mountain Hop» (Page/Plant/Jones) - 4:38

6. «Four Sticks» (Page/Plant) - 4:44

7. «Going to California» (Page/Plant) - 3:31

8. «When the Levee Breaks» (Page/Plant/Jones/Bonham/Memphis Minnie) - 7:07

El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.

La reacción al tercer disco de Led Zeppelin no fue la esperada. La crítica esperaba un sonido más duro, y los fans reclamaban que el grupo siguiera el estilo marcado en el Led Zeppelin II. Algunos incluso intentaron minar la reputación del grupo, acusándolos de ser solo músicos famosos. Ante esto, la respuesta del grupo fue bastante airada: «Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: ‘¡Saquemos un álbum sin título!’ De ese modo, a la gente le gustaría o nada». Page.

El resultado superó las expectativas. Para muchos fans y para parte de la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin.

Fue lanzado al mercado en 1971 y vendió quince millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una de las bandas más importantes de la década. Con el tiempo, ha llegado a vender veintidós millones de copias, siendo el álbum más vendido de la banda y convirtiéndose a su vez en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos, ocupando la cuarta posición en el ranking de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).

El álbum incluye temas como «Rock And Roll», «Black Dog», «When the Levee Breaks» y sobre todo «Stairway To Heaven».

Título

El álbum no tiene un título definido, hecho derivado de la decisión tomada por Page después de la fría recepción por parte de la crítica del tercer álbum de la banda. Por razones de continuidad, se tiende a llamarlo Led Zeppelin IV, aunque en su versión original, no había absolutamente nada escrito en el disco que permitiese identificarlo, salvo la frase «Produced by Jimmy Page» en la funda interior. La edición original en vinilo se convirtió en objeto de culto entre los seguidores de Led Zeppelin y actualmente es muy buscado por los coleccionistas.

Texto: Lastfm.es

Pata negra. Blues de la frontera. 1987

ENLACE DE DESCARGA:

http://goo.gl/gieLBL

Lista de canciones:

1. Bodas de sangre

2. Blues de la frontera

3. Pasa la vida

4. Yo me quedo en Sevilla

5. How high the moon

6. Camarón

7. Calle Betis

8. Lindo gatito

9. Lunático

Esto es lo que divinizó la trayectoria de Pata Negra. Los hermanos Amador, en su momento de máximo esplendor. “Blues de la frontera”, con copyright de 1987, pero no editado hasta 1988, fue considerado, indiscutiblemente, el mejor disco español, el número 1. “Blues de la frontera”, con la producción artística de Ricardo Pachón y avalado por Mario Pacheco desde la producción ejecutiva, fue una obra irrepetible en la trayectoria de Pata Negra y un trabajo donde confluyeron todos los factores positivos que posibilitaron que las canciones se convirtieran en grandes éxitos populares; lamentablemente, no volvieron a repetirse circunstancias tan favorables en la carrera hermanada de Rafael y Raimundo.

Bien, chico, yo soy sevillano. Para mí el flamenco no es una música exótica, no tengo que descubrirla porque siempre ha estado ahí. Puede que te guste más o menos, pero si vives en Andalucía ya tienes ganado al menos el setenta y cinco por ciento. Y créeme que lo siento, pero me da que si no eres de aquí no vas a llegar nunca a entenderlo al cien por cien.

Las “Ratitas divinas” pasaron siete años de oscuridad recorriendo las cloacas antes de ver la luz y, cuando al fin la vieron, muchos de sus espectadores no se percataron de que Pata Negra hacía ya tiempo que paseaba por parajes más soleados.

Con “Blues de la frontera” Pata Negra ha dado en el blanco de una diana que, mucho me temo, está más allá del alcance de los que solo ven en la fusión de flamenco y rock una mera anécdota. Temas como “Camarón”, “Calle Betis”,  “Yo me quedo en Sevilla” o “Bodas de sangre” desconcertarán a antiguos seguidores que nunca han llegado a apreciar la diferencia entre Ketama y Los Chichos, por poner un ejemplo.

Pero al escuchar este LP a mí me da la sensación de que el grupo se lo pasa igual de bien tocando estas rumbas, muy especiales, que haciendo jazz –“How High The Moon” –, reggae –“Lunático”– o tamizando composiciones de un tipo, Romero Sanjuán, que, otra vez para mí, solo adquiere interés cuando es versionado por los hermanos Amador –“Pasa la vida”–.

Entonces, ¿dónde esta la clave?, ¿qué hace especial a este disco? Creo que los dos temas que aún no he nombrado: “Lindo gatito” y “Blues de la frontera”.

“Blues de la frontera”, el LP, es blues gitano, no porque el esquema blues esté formalmente presente en algunas composiciones o porque los puristas no lo quieran llamar flamenco o, ni mucho menos, porque haya que buscarle una definición. Solo por sentimiento.

Las letras de Ricardo Pachón y Carlos Lencero evaporan las esencias del sur profundo –el de aquí, el otro es una ilusión–, las colaboraciones de Rafael Riqueni, Juanjo Pizarro o Marinelli refuerzan, entre otras, el resultado. Y ante disco tan geométrico permanece la anécdota improvisada de la chica que llega a hacer palmas y termina cantando –Charo Manzano debería pensar en hacer carrera en solitario–.

Esto es blues, blues gitano.

Texto: Rockdelux.com

Chick Corea. New Trio: Past, Present & Futures. 2001

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http://goo.gl/ZJyRkd

Tracklist:

1. Fingerprints 

2. Jitterbug Waltz 

3. Cloud Candy 

4. Dignity 

5. Rhumba Flamenco 

6. Anna's Tango 

7. The Chelsea Shuffle 

8. Nostalgia 

9. The Revolving Door 

10. Past, Present & Futures

11. Life Line

Chick Corea nació en 1941 en Massachussets. Desde muy joven, trabajó con grandes músicos, como Stan Getz y Herbie Mann. En 1968, se unió con Miles Davis, para reemplazar a Herbie Hancock en el teclado. Chick trabajó con Davis, durante un importante período de transición para Davis, cuando el comenzó a incorporar instrumentos electrónicos y una fusión de rock en su música. Corea trabajó en muchas grabaciones importantes de Miles, como Bitches Brew, In a Silent Way, Live/Evil, y On the Corner.

Chick se separó de Davis y empezó a tocar música de vanguardia con estilo de jazz en el cuarteto "Círculo" (con Anthony Braxton, Barry Altschul, y Dave Holland). En 1971, cambió de dirección musical nuevamente y formó su propio grupo llamado Return To Forever. Ellos comenzaron tocando una mezcla de jazz-latino, pero mas adelante cambió a sus compañeros y trajo a Stanley Clarke, Jenny White, y a Al DiMeola, y se convirtieron en una banda de rock-fusión muy enérgica.

En 2001, el nuevo trío de Chick Corea, con Avishai Cohen y Jeff Ballard en contrabajo y batería respectivamente, grabaron el álbum titulado "Pasado, presente y futuro". Notablemente, las 11 canciones del álbum, incluyendo la única composición estándar (Fats Waller´s “Jitterbug Waltz”). El resto de las melodías son originales de Corea, y el álbum muestra al compositor y pianista en una fase sumamente fértil, llena de energía. Este trío, el tercero más importante en la carrera de Chick, tiene un sonido más orgánico que el de The Akoustic Band, pero un sonido más mundano a comparación del trío con Vitous y Haynes, como Ballard y Cohen que tienen experiencia con música de otras culturas.

Texto: pianored.com

Camarón de la Isla. La leyenda del tiempo. 1979

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http://goo.gl/yE0pBj

1. La leyenda del tiempo (Federico García Lorca/Ricardo Pachón) – (Jaleos)

2. Romance del Amargo (García Lorca/Pachón) – (Bulerías por soleá)

3. Homenaje a Federico (García Lorca/Pachón/Kiko Veneno) – (Bulerías)

4. Mi niña se fue a la mar (García Lorca/Pachón/Veneno) – (Cantiñas de Pinini)

5. La Tarara (Trad. Arr. Ricardo Pachón) – (Canción)

6. Volando voy (Veneno) – (Rumba)

7. Bahia de Cádiz (Pachón/Fernando Villalón) – (Alegrías de baile)

8. Viejo mundo (Omar Khayyám/Veneno) – (Bulerías)

9. Tangos de la Sultana (Antonio Casas/Pachón/Francisco Velázquez) – (Tangos)

10. Nana del caballo grande (García Lorca/Pachón) – (Nana)

El jefe de compras de El Corte Inglés advirtió a Ricardo Pachón, productor de La Leyenda del tiempo: “Los gitanos me van a devolver este disco”. Y razones no le faltaban. Con sus bulerías jazz-rock y García Lorca pasado por la batería y el bajo eléctrico, la revolución fue un fracaso. Como en los lejanos días en los que Bob Dylan recibía amenazas por electrificar los instrumentos, Camarón de la Isla era entonces, 1979, uno de esos hombres valientes destinados a cambiar el curso de la música y entretanto recibir críticas durísimas de los suyos.

Que nada sería igual se anunciaba desde la portada, una foto de Mario Pacheco, hoy dueño del sello Nuevos Medios. Camarón, con barba, difuminado, bizqueando por el humo de un pitillo. “Como todo en aquel proyecto, algo inesperado”, recuerda Pacheco, que tomó las fotos en el mismo estudio, el de la discográfica Philips, que estaba en la avenida de América de Madrid, donde hoy se levantan una gasolinera y una capilla. Allí llegaron Pachón y “el contingente sevillano” aquel verano, tras una primavera de ensayos en la casa del productor en Umbrete (Sevilla). Diego Carrasco a las palmas, Gualberto al sitar –viejo conocido de Pachón de los días de Smash–, miembros del grupo Alameda o Raimundo Amador y Tomatito, dos jóvenes tocaores con la misión de sustituir a Paco de Lucía, que había acompañado a Camarón durante más de una década, pero que decidió bajarse de este disco. En teoría jonda, unas bamberas, cantes tradicionales de columpio, en tonos mayores y menores que devienen en bulería revolucionaria con letra de un poema de García Lorca y la garganta ambiciosa de un grandioso Camarón. Los críticos flamencos, por descontado, la odiaron.

Texto: Rolling-Stone

Ludovico Einaudi. Una Mattina. 2004

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http://goo.gl/UXkyWM

1. "Una mattina" – 3:26

2. "Ora" – 7:57

3. "Resta con me" – 4:57

4. "Leo" – 5:10

5. "A fuoco" – 4:32

6. "Dolce droga" – 3:38

7. "Dietro casa" – 3:53

8. "Come un fiore" – 4:28

9. "DNA" – 3:43

10. "Nuvole nere" – 5:04

11. "Questa volta" – 4:35

12. "Nuvole bianche" – 5:57

13. "Ancora" – 12:09

Ludovico Einaudi (Turín, 23 de noviembre 1955) es un compositor y pianista moderno que destaca por el desarrollo de frases melodiosas en sus composiciones de piano.

Representa uno de los grandes éxitos de la música clásica contemporánea de los últimos años, no sólo por las ventas de discos, sino también por los conciertos realizados por todo el mundo.

Cuando era un niño su madre tocaba el piano con él. En 1982 se diploma en composición el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán con Azio Corghi. Ese mismo año recibe una beca para el Tanglewood Festival de Estados Unidos y continúa sus estudios con Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comienza la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y más tarde para piano.

Ha realizado bastantes trabajos para el mundo del cine, recibiendo varios galardones internacionales:

* Grulla de oro por la banda sonora de Acquario en 1998

* Echo Klassik por la banda sonora de Fuori dal mondo en 2002

* Mejor banda sonora en los premio de la música italiana en 2002 por Luce dei miei occhi

* Mejora banda sonora en el Festival de Aviñón en 2004 por Sotto falso nome

Actualmente reside en la región italiana de Piemonte. Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: “En general no me gustan las definiciones, pero ‘minimalista’ es un término que significa elegancia y sinceridad, por lo tanto prefiero ser llamado minimalista a cualquier otra cosa”.

Texto: Lastfm.es

David Peña Dorantes. Orobroy. 1998

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http://goo.gl/4Zekbf

Tracklist:

1. Semblanza de un río

2. Abuela Perrata

3. Orobroy

4. Ventanales

5. Gallardo

6. Silencio de patriarca

7. Gañanía

8. Nana de los luceros

9. Oleaítas, mare

Dorantes (Lebrija, 1969).

David Peña Dorantes no se puede homologar musicalmente con facilidad. Pertenece al mundo flamenco por cuna y vivencias, pero sus creaciones son absolutamente personales y se alejan de los experimentos de fusión habituales. Ha dotado al piano de una enriquecedora dimensión, es un virtuoso instrumentista que denota su paso por el conservatorio y, además, suena jondo. El contacto de Dorantes con los teclados fue una coincidencia: en casa de su abuela paterna, La Perrata, había un piano, y él empezó a tocarlo de chiquillo. El primer disco que grabó, “Orobroy” (1998), fue una refrescante sorpresa y, desde entonces, ha mostrado su talento y versatilidad junto a numerosas primeras figuras del arte jondo, como su tío El Lebrijano. Aunque sus coqueteos con la música comenzaron de la mano de una guitarra (con la que incluso llegó a ganar concursos siendo niño), a los diez años quedó fascinado con el piano y comenzó de forma autodidacta. Aún joven, ingresa en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla. A los 22 años debuta en los Reales Alcázares con la presencia de los Reyes de España, aunque no será hasta siete años después, en 1998, cuando ve la luz su primer vástago musical, “Orobroy”, un disco que pone de acuerdo a la crítica y al público y que lanza a Dorantes a la primera línea del panorama musical.

Texto: Flamenco-World.com

Yann Tiersen. Le fabuleux destin d'Amelie Poulain. 2001

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http://goo.gl/S2bXwX

Tracklist:

1. J'y suis jamais allé

2. Les jours tristes" (Instrumental) - 3:03

3. La valse d'Amélie" (Versión original) - 2:15

4. Comptine d'un autre été: l'après-midi

5. La noyée - 2:03

6. L'autre valse d'Amélie - 1:33

7. Guilty" (Al Bowlly) - 3:13

8. À quai - 3:32

9. Le moulin - 4:27

10. Pas si simple - 1:52

11. La valse d'Amélie (Versión orquestal) - 2:00 

12. La valse des vieux os - 2:20

13. La dispute - 4:15

14. Si tu n'étais pas là (Fréhel) - 3:29

15. Soir de fête - 2:55

16. La redécouverte - 1:13

17. Sur le fil - 4:23

18 Le banquet - 1:31

19. La valse d'Amélie (Versión piano) - 2:38

20. La valse des monstres - 3:39

Yann Tiersen, de nombre completo Guillaume Yann Tiersen, es quizá uno de los más influyentes compositores y músicos de los últimos años. Nacido en Brest, Francia, el 23 de junio de 1970, puede decirse que se trata de todo un virtuoso de la música, llegando a dominar a la perfección instrumentos tales como el violín, el acordeón y el piano. Su estilo va desde la música clásica, evidentemente influido por sus estudios de conservatorio en Rennes y Nantes, entre otros lugares, hasta el rock, logrando, sin embargo, una unión del todo armónica en sus obras. 

Tras unos cuantos discos sacados a la venta, Tiersen compone la banda sonora de la preciosa y dulce película francesa Amelie, en el año 2001, de título original Le Fabuleux Destin d´Amelie Poulain, con la que muy justificadamente logró todo tipo de buenas críticas por parte del público, llegando incluso a ser reconocido mundialmente como todo un genio.

Y es que no podía ser otra cosa. La banda sonora de Amelie viene a ser una especie de explosión de música demoledoramente nostálgica, y a la vez alegre y risueña. La mejor composición de este disco es sin duda La Valse d´Amelie, con la que una no puede evitar esbozar una tierna sonrisa al imaginar todo tipo de situaciones de lo más entrañables. Aunque no se haya visto la película –pero de algún modo es recomendable hacerlo para poder entender de un modo completo la importancia de esta soberbia composición musical- es prácticamente imposible escapar al encanto que estas melodías provocan. Existe así otra versión de La Valse d´Amelie, orquestada, que deja entrever la “magia casera” de esta preciosa película, al tiempo que dibuja con su sutil melodía algo parecido a una nostalgia muy especial, no amarga sino de una dulzura casi hiriente.

Un buen ejemplo de la tenue tristeza que destila Amelie es la canción Les Jours Tristes, la segunda de las composiciones incluidas en la banda sonora, a la vez que La Redecouverte viene a ejemplificar estupendamente esa alegría tranquila propia de un film sin complejos y del todo esperanzador. 

De alguna forma Tiersen logra cautivar y encantar con cada pieza de esta fabulosa banda sonora, que una puede recomendar abiertamente y sin trabas. Sin duda, merece la pena hacerse con esta música. Nadie podría llegar a arrepentirse de ello.

Texto: Irene Sanz Montero para “musicaparaelbunker.blogspot.com”

Vicente Amigo. Tierra. 2013

ENLACE DE DESCARGA:

http://goo.gl/MQ0Oyc

Tracklist:
1. Prólogo y epílogo
2. Estación Primavera
3. Tierra (con Lya)
4. Bolero a los Padres
5. Campos de San Gregorío
6. Río de la Seda
7. Canción de Laura
8. Idílico
9. Roma

Vicente Amigo internacionaliza su música. El guitarrista flamenco viajó hasta Londres para fraguar 'Tierra', el séptimo disco de su carrera. El trabajo cuenta con la producción de Guy Fletcher, teclista de Dire Straits y colaborador de Marc Knopfler. Músicos de ambas formaciones han participado en el álbum, “en el que el flamenco conecta de manera natural con músicas de otras raíces”. El repertorio está compuesto por nueve nuevas composiciones propias, entre ellas, 'Estación Primavera', 'Río de la seda' y el single 'Roma', cuyo videoclip está dirigido por Ángeles González-Sinde. Según explica el músico, “tengo toda la ilusión puesta en 'Tierra' porque es un mensaje positivo que vamos a dar al mundo: está buscando la belleza, ese abrazo de las tierras”.

Aunque se ha grabado en Inglaterra, 'Tierra' comenzó a gestarse en Córdoba. “A Guy lo conocí en Córdoba el año pasado en el Festival de la Guitarra, en un concierto de Mark Knopfler”, dice Vicente Amigo. “Los productores del concierto me lo presentaron y lo que en principio era una idea de hacer un tema con ellos se convirtió después en un objetivo principal: mezclarme con esos músicos. Mi propuesta fue abrazar nuestras libertades: la mía, la suya como productor, la de todos los músicos que han colaborado. Eso va más allá, en un momento dado, de la música”.

El guitarrista, ganador de un Grammy en 2001, se fue a grabar a los British Grove Studios de Londres con músicos de Dire Straits, de Mark Knopfler y de Capercaillie, “para ofrecer un álbum excepcional, arriesgado, en el que el flamenco conecta de manera natural con músicas de otras raíces”. Además de Vicente Amigo (guitarra, voz, cajón, palmas) y Guy Fletcher (órgano, piano), en el álbum tocan músicos de trayectoria internacional como el percusionista Danny Cummings, Mike McGoldrick a la flauta y la gaita, el violinista John McCusker, el acordeonista Donald Shaw y el contrabajista Ewen Vernal.

'Prólogo y Epílogo', 'Estación Primavera', 'Tierra', 'Bolero a los Padres', 'Campos de San Gregorio', 'Río de la Seda', 'Canción de Laura', 'Idílico' y el primer single 'Roma, cuyo videoclip está dirigido por Ángeles González-Sinde, forman el repertorio del disco. Son nueve composiciones nuevas de Vicente Amigo, que vienen a nutrir una discografía propia que ya sumaba seis álbumes desde que debutara con 'De mi corazón al aire' (1991) y hasta el anterior 'Paseo de Gracia' (2009). 'Tierra' se estrenó en directo en el Festival Celtic Connections de Glasgow el pasado 18 de enero de 2013.

Texto: flamenco-world.com

Kora Jazz Band. Kora Jazz Band & Guests. 2011

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Tracklist:

1. All Blues (5:01)

2. Kuma (6:40)

3. Banekh (5:28)

4. Madiba (7:00)

5. Oye Como Va (4:44)

6. Ewagne (4:07)

7. Catarina (6:31)

8. Mandjou (3:43)

9. Soukou-Papaye (3:59)

10. Spain (4:51)

El concepto de jazz africano es algo ambiguo y con diversos orígenes e interpretaciones, según desde donde se mire; y es algo casi lógico, ya que gran parte del jazz hunde sus raíces en África. Pero hay un estilo puramente africano, que utiliza instrumentos y escalas propias del continente negro. En 2003, el guineano Djeli Moussa Diawara y los senegaleses Moussa Sissokho y Abdoulaye Diabaté creaban la formación Kora jazz trio, compuesta por piano, percusión y kora, además de voces.

Es la kora una especia de arpa africana que sobrepasa la veintena de cuerdas y se toca con los pulgares enfrentados, con un sonido relativamente cercano al de una guitarra o un laúd. Dicho instrumento, además de dar nombre a la formación, es el más característico de su sonido (dicho sea de paso, este grupo también podría dar respuesta afirmativa a si es posible crear un buen sonido sin usar un bajo).

Kora jazz trio conseguía sonar como un maravilloso híbrido entre los ritmos sincopados del jazz y la pureza de la música africana, logrando una mezcla que bebía de ambas fuentes sin distanciarse demasiado de ninguna de ellas, incluyendo entre su variado repertorio versiones clásicas de jazz, ritmos caribeños, canciones africanas, etc. Tras tres álbumes, Diawara abandonó la formación y pasó a sustituirlo el senegalés Soriba Kouyate, constituyéndose el grupo actual, denominado Kora jazz band. Para su primer y hasta la fecha único álbum, “Kora jazz band & Guests”, publicado en 2011, el grupo contó con invitados de lujo como son Omar Marques (timbales), Andy Narell (tambores metálicos o steelpans) y Manu Dibango (xilófono).

Kora jazz band continúa y amplía la fórmula establecida por el trío original, ofreciendo tanto temas propios como versiones (imprescindibles “All blues” de Miles Davis, la versión de “Spain” del pianista Chick Corea o el eterno “Oye cómo va”), y buscando como siempre la unión entre lo nuevo y lo antiguo; la tradición y la improvisación musical; contrapunto que queda perfectamente expuesto en el diálogo entre la kora y el piano, dos instrumentos polifónicos de procedencias diferentes y registros sonoros similares, pero que coexisten perfectamente. En la actualidad, la banda sigue en activo y se desplaza por todo el globo. Hubo un cambio obligado en la formación tras el trágico fallecimiento de Kouyate sólo una semana después de la grabación del álbum, siendo sustituido por el gambiano Yakhouba Sissokho y completando la formación que sigue vigente a día de hoy.

El estilo de Kora jazz band demuestra que aún hoy en día el jazz posee amplios márgenes de expansión y que es posible aportar nuevo aire e ideas, nuevos sonidos y fusiones.

Texto: El musiquiátrico

Bebo Valdés y Javier Colina. Live at the Village Vanguard. 2007

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Dos años tardó el público en poder tener en sus manos este concierto que ofrecieron en noviembre de 2005 Bebo Valdés y Javier Colina en el The Village Vanguard, el legendario local de la Séptima Avenida de Nueva York. La velada fue íntima, emocionante conforme pasaban los minutos y de una calidad impresionante.

Un mano a mano entre el veteranísimo pianista cubano Bebo Valdés, el mayor representante vivo del latin jazz, y el contrabajista navarro Javier Colina, formado en el jazz y madurado en los ambientes del nuevo flamenco.

Dos estrellas frente a frente que prepararon para aquella noche un grandísimo repertorio de trece piezas del repertorio latino: los boleros Sabor a mí, Si te contara y Aquellos ojos verdes, clásicos populares como Andalucía, Bilongo, con el público cantando improvisadamente la letra, El manisero y Siboney, y composiones propias de Bebo como Con poco coco, Ritmando el cha cha cha y la excepcional Bebo’s blues, amén de una versión de Waltz for Debby, de Bill Evans.

Lo que más llama la atención en esta maravilloso recital es la compenetración entre ambos músicos. Bebo Valdés muestra a sus casi noventa primaveras una versatilidad a la hora de atacar las piezas, una musicalidad y una capacidad de improvisación como la de un pianista en la cumbre de su carrera.

Mientras que Javier Colina se destaca nuevamente como un completísimo contrabajista, tanto pulsando la cuerda como utilizando el arco, no estando por encima del maestro nunca pero aportando ese plus de calidad que éste necesitaba en el escenario.

Texto: Hipersónica.com